Самые дорогие скульптуры

Поделиться

Что объединяет такие имена, как Дэмьен Хёрст, Амадео Модильяни, Альберто Джакометти, Джефф Кунс? Одна эпоха? Один стиль? Конечно, нет. Таких разных скульпторов, работавших совершенно в разное время, может объединять лишь одно – их работы входят в список самых дорогих скульптур, проданных на аукционах.

Работа известного скульптора Альберто Джакометти была продана за 141.7 млн долларов на аукционе Кристис в мае 2015 года. Эстимейт составлял 130 млн долларов. Созданная за ночь, эта скульптура на сегодняшний день является самой дорогой скульптурой из когда-либо проданных на открытых торгах. С гипсовой модели было сделан 1 авторский экземпляр и 6 отливок. Какие-то из них хранятся в музеях США, Лондона, другие – в частных коллекциях.

Грубые, размытые, сильно обработанные люди Джакометти уменьшены до самой своей сути, они напоминают одинокие деревья зимой, которые потеряли всю свою листву. Ученый Уильям Баретт утверждает, что ослабленные формы в скульптуре отражают взгляд модернизма и экзистенциализма на становление современной жизни как пустой и лишенной смысла. Для философа-экзистенциалиста Жан-Поля Сартра скульптура Джакометти была «всегда на полпути между ничто и бытием».

В послевоенную эпоху Джакометти поставил перед собой задачу заново изобрести саму идею скульптуры, нарушив традиционные условности моделирования, чтобы найти действительно личный способ выразить свое видение реальности. Эти новые скульптуры не имели прецедентов и параллелей, если не считать самых примитивных работ древнего человека.

В 1949 году галерея Тейт приобрела бронзовый слепок скульптуры непосредственно у художника. В 1951 году предприимчивый американский коллекционер Саиди Мэй, давний покровитель абстрактных экспрессионистов, завещал еще одного бронзового человека Балтиморскому Музею искусств; три года спустя Бланшетт Хукер Рокфеллер пожертвовала свой слепок скульптуры Музею современного искусства в Нью-Йорке.

Альберто Джакометти. «Указывающий человек». 1947

Череп человека, полностью инкрустированный бриллиантами – самая дорогая скульптура ныне живущего человека. Скопировав череп европейца средних лет в натуральную величину, жившего ориентировочно между XVIII - началом XIX века, Хёрст вставляет в него настоящие зубы. В центре лба он помещает крупный алмаз грушевидной формы, который представляет из себя центральное звено композиции. Общий вес восьми тысяч брильянтов, усеивающих череп, составляет 1106 карат. Впервые экспонировался в лондонской галерее White cube. Был куплен группой инвесторов (в число которых входил и сам Хёрст) ради перепродажи.

В настоящее время к черепу относятся по-разному – кто-то считает его великим произведением искусства, иллюстрирующим современное общество потребления, а для кого-то этот платиновый череп – олицетворение безвкусицы. Скульптура экспонировалась в Рейксмюсеуме в Амстердаме, в Палаццо Веккьо во Флоренции, в Тейт Модерн в Лондоне.

Дэмьен Херст – один из самых знаменитых художников современности. Его акула в формальдегиде, бриллиантовый череп, картины из бабочек – работы, которые получили широкую популярность во всем мире. Хёрст – выдающаяся фигура группы YBA (Young British Artists), доминирующей на арт-сцене последние 30 лет, представители которой в большей части закончили лондонский колледж Голдсмитс. Интересно, что в юности он ходил делать зарисовки в анатомический театр. Самый богатый британский художник сделал главной темой, объединяющей все его произведения, смерть.

Дэмьен Хёрст. «За любовь господа». Платина, бриллианты. 2007

Небольшая скульптура размерами 80х55 см была продана на аукционе Кристис 15 мая 2018 года за 71 млн долларов. Владельцы скульптуры Элизабет и Фредерик Стаффорды приобрели ее в 1955 году за 5000 долларов непосредственно у самого скульптора. Интересно, что Фредерик Стаффорд также родился в Румынии, но уехал оттуда в 1930-х годах. Он читал, что «Работа является потрясающим примером способности Бранкузи передать красоту чрез простоту и совершенство линии».

На протяжении многих лет скульптура была показана в различных музеях, таких как Метрополитен- музей, Музей Соломона Гуггенхейма и Центр Жоржа Помпиду. По сравнению с предыдущей продажей скульптуры Бранкузи «Спящая муза», состоявшейся годом ранее, цена увеличилась на 57 млн. На сегодняшний момент «Портрет Нэнси Кунард» - самая дорогая работа французского скульптора румынского происхождения.

«Портрет Нэнси Кунард» - уникальная скульптура, задуманная в Париже в 1928 году и отлитая в бронзе в 1932. Скульптура сохранила оригинальное мраморное основание. Знакомство Бранкузи с Нэнси произошло в 1923 году благодаря одному из ее любовников, поэту Тристану Тцара. Девушка никогда не позировала скульптору, однако ее странная красота явно захватила его воображение.

Нэнси Клара Кунард родилась в 1896 году в семье наследника судоходной компании «Кунард Лайн». Училась в различных школах-интернатах во Франции и Германии. В 1920 году она переехала в Париж, где увлеклась модернизмом, сюрреализмом и дадаизмом. Большая часть ее опубликованных стихов относятся к этому периоду. Во время войны работала переводчиком в Лондоне. После войны оставила свой дом и много путешествовала. Воспитанная в среде британского высшего общества, она, будучи политической активисткой, посвятила большую часть своей жизни борьбе с расизмом и фашизмом.

Нэнси была музой для выдающихся писателей и художников ХХ века, таких как Тристан Тцара, Луис Арагон, Олдос Хаксли, Константин Бранкузи, Ман Рей и многих других. В последующие годы страдала психическими заболеваниями, скончалась в 1965 году в парижской больнице Кошен при весе всего 26 килограмм.

Бранкузи - один из выдающихся представителей так называемой «Парижской школы». Термин «школа» применим к Парижской школе скорее как то место, где художники обучались друг у друга, чаще живя под одной крышей или занимая одну студию, у самих французов, у художников прошлого, чьи многочисленные работы были представлены в музеях и галереях города. Нельзя сказать, что Парижская школа охватывает все французское искусство, как нельзя сравнивать понятия «французская школа» с «Парижской школой». Французская школа охватывает все искусство Франции, не исключительно одного города, а всей страны. Термин «Парижская школа» достаточно узок, и разные исследователи трактуют его по-разному, например, Д.Сарабьянов говорит о том, что термин связан именно с мастерами, приехавшими в Париж из других стран. Обычно говоря о Парижской школе, имеют в виду едва ли не всю первую треть ХХ столетия. Ее становление и наивысший расцвет – это два недолгих периода: первый – «классический» («героический») до Первой Мировой войны, время становления фовизма и кубизма, первых значительных работ Пикассо, Бранкузи, Сутина, Модильяни, Архипенко, Шагала заметно продвижение пластических идей новых парижских мастеров в страны Европы, Россию, США; и второй – своего рода эпилог – первые годы после Мировой войны, экспансия дадаизма и сюрреализма, время Ман Рэя, Макса Эрнста, Альберто Джакометти, время Хэмингуэя, Генри Миллера – последние триумфы уходящей belle époque.

Парижская школа не представляла собой целостного художественного явления, объединенного общностью целей, теоретической программой, пластическими принципами, или просто профессиональными убеждениями. Нет совершенно ничего общего между кубизмом Пикассо, утонченной фигуративностью Фужиты, пылкой трагичностью Сутина, абстракциями Купки или Мондриана, философическим формотворчеством Бранкузи, поэтическим визионерством Паскина или, наконец, вызывающим салонными и вместе с тем пронзительными портретами Ромэн Брукс.

И все же, есть нечто едва уловимое, но несомненное, что позволяет говорить не просто о единстве времени и места. Возможно, это первая в истории европейской культуры ситуация, внутри которой естественное и плодотворное сосуществование принципиально разных пластических систем – полистелизм – обозначил наступление новой эры.

Стало быть, можно сказать, что Парижская школа есть некое уникальное явление, синтез интернациональных корней, традиций и поисков с искусством французским, которое, в свою очередь, обрело новую энергию и устремления во взаимодействии с творчеством приезжих мастеров, есть период позитивного принятия полистелизма как объединяющего и стимулирующего начала.

Константин Бранкузи. «Портрет Нэнси Кунард». 1932

С 1920-х, когда началась карьера Джакометти, он экспериментировал с разными стилями, до того, как в 1946 году обратил внимание на дорожный знак с изображением человека. Из этого случайного впечатления родились тонкие и вытянутые фигуры, похожие на «рисунки, помещенные в трехмерное пространство» (писал художественный критик Жак Дюпен). Колесница имела глубокое личное значение для Джакометти, отражая прозрение в его творческом развитии. Идея колесницы возникла еще в 1930-е года, когда Джакометти был увлечен сюрреализмом, и отчасти она была навеяна тележкой со звенящими склянками с лекарствами, которую он видел в больнице, попав туда после автомобильной аварии. Другим источником вдохновения стала древнеегипетская колесница, увиденная им в Археологическом музее во Флоренции.

Отлитая в бронзе в начале 1950-х годов, колесница станет героической эмблемой послевоенного обновления. Несмотря на большой двигательный аппарат, эта фигура-попытка Джакометти кристаллизовать экзистенциалистскую философию, господствовавшую в послевоенном Париже.

Его возница пребывает в состоянии постоянной неподвижности, но ее сила остается нетронутой. Она поднимает руки в повелительном жесте. Воплощая упорство и надежду, она вечно стоит на своей колеснице, непоколебимая в своей миссии. Подняв ее над толпой, Джакометти превратил женщину в предмет поклонения. В последующие годы неподвижные женщины и бесцельно шагающие мужчины стали главными героями человеческой драмы Джакометти, и его личность как художника стала неразрывно связана с этими образами.

Тощая, как карандаш, женщина застыла на месте, балансируя на платформе, прикрепленной к оси колесницы, колеса которой подняты на конических блоках. Однако ее поза с вытянутой рукой выглядит неустойчивой, что повышает вероятность внезапного движения. Но в каком направлении? Наша неуверенность усугубляется разницей в размерах между фигурой и огромными колесами и пьедесталом. Глядя на нее, непонятно, идет ли она к нам или уходит. Парадоксально, но уменьшенные размеры женщины только увеличивают ее рост. Нас привлекают ее смутные черты. Но как бы внимательно мы ни смотрели, мы не можем их разглядеть.

Всего существует 6 отливок, 4 из которых хранятся в музеях, а 2 – в частных коллекциях. «Колесница», выставленная на аукционе Сотбис 4 ноября 2014 года, отличается от других одной маленькой деталью – с помощью золотой патины скульптором были очерчены черты лица и волосы фигуры, что приближает ее к древним богам.

Галерея Пьера Матисса приобретает скульптуру у самого Альберто Джакометти, в 1952 году работа попадает в коллекцию к М-ру и М-с Чарльз Зейдок, спустя 21 год ее приобретает Galerie Beyeler. Скульптура выставлялась в Музее Современного искусства в конце 1960-х, а также в Galerie Beyeler в 1972 году.

Альберт Джакометти. «Колесница». 1952

Высокая скульптура (183 см) была продана за 104 млн долларов на аукционе Сотбис в 2010 году. Бронзовая статуя, созданная в 1961 году, отображает жизненную силу. Эта скульптура считается одной из самых важных работ швейцарского мастера, ведь именно она стала толчком для создания других работ на подобную тематику. Шедевр мирового искусства отражает одинокое и уязвимое состояния человека.

Свет впервые увидел скульптуру уже на следующий год после создания – она была показана на международной выставке в Венеции. Публика пребывала в восторге, ни у кого не осталось сомнений в гениальности автора. После нешуточной борьбы в зале, скульптура досталась бразильянке Лили Сафре, отдавшей за «Шагающего человека I» ошеломляющую сумму.

Говорят, что Джакометти рассматривал «естественное равновесие шага» как «символ собственной жизненной силы человека». Скульптура была создана на пике зрелости мастера и представляет собой вершину его экспериментов с человеческой формой. Всего таких скульптур Джакометти отлил 6 штук, из которых первая находится в Музее искусство Карнеги в Питтсбурге, вторая на данный момент находится в частной коллекции, три других находятся в Фонде Maeght в Сен-Поле, художественной галерее Олбрайта-Нокса в Буффало, Музее современного искусства Луизианы недалеко от Копенгагена.

Созданная в послевоенные годы, скульптура предстает в строгой экзистенциальной форме. Уловив момент в движении фигуры, Джакометти создал одновременно скромный образ обычного человека и мощный символ человечности. Ранее входившая в корпоративную коллекцию Dresdner Bank AG (которой она была приобретена около 1980 года), работа перешла во владение Commerzbank AG после поглощения последнего Dresdner Bank в 2009 году.

Альберт Джакометти. «Шагающий человек I». 1961

Модильяни создает элегантную, но одновременно с тем нарочито примитивную скульптуру. Чрезвычайно редкая резьба по камню Модильяни, «Голова» - одно из самых желанных произведений искусства ХХ века. В то время, как большинство скульптур Модильяни находятся в коллекциях музеев, «Голова» - лучшая, из оставшихся в частных руках.

«Голова» Модильяни – прекрасный пример, иллюстрирующий волну увлечением искусством Африки художниками и скульпторами – модернистами. Амадео часто посещал египетский зал в Лувре. Созданная по подобию тотема или божества, скульптура была выполнена в студии мастера на Монпарнасе. Данная скульптура была высечена из одного блока известняка, добытого в небольшом городке на востоке Франции.

Бытует мнение, что скульптор создал потрет Анны Ахматовой. «Ты для меня как навязчивое воспоминание» - с обожанием писал он ей в 1911 году. В чертах скульптуры – удлиненном носе, уложенных волосах видится славянская красота молодой на то время поэтессы. Все в ней прекрасно - спокойная торжественность, глубокая атмосфера таинственности и духовности, массивные формы, пустые миндалевидные глаза, блаженная улыбка, прямой взгляд, декоративные элементы в волосах и на лбу.

Душа Модильяни всецело принадлежала скульптуре, и будь у него возможность, он бы занимался только ей. Амадео Модильяни не принимал отливок, он – приверженец создания скульптуры из цельного куска камня.

Работа была приобретена у Модильяни художником Августом Джоном в 1912 году. Спустя несколько десятилетий «Голова» была приобретена галереей Arthur Tooth & Sons в 1955 году. Через год она попадает в галерею Ганновера, а затем в частную коллекцию, где находилась вплоть до 2014 года. Скульптура выставлялась дважды – В Осеннем Салоне 1912 года (в знаменитом зале кубистов) в Париже и в 1955 году в Кунстхалле в Берне.

Амадео Модильяни. «Голова»

Скульптура огромных размеров (307х363х114 см) была продана на аукционе Кристис 12 ноября 2013 года за 58 млн долларов. Создавая иллюзию невесомости с помощью отражающей нержавеющей стали гигантских размеров, «Собака» Кунса представляет отличную иллюстрацию желания Кунса показать экстатическое переживание детского наслаждения миром.

«Собака из воздушных шаров» (Оранжевая) – одна из первых скульптур Кунса, исполненных в данной тематике. Ее приобрел коллекционер из Гринвича (Коннектикут) Питер Брант в 1990-х. Брант имеет обширную коллекцию работ Джеффа Кунса, Кристофера Вула, Жана-Мишеля Баскиа, Энди Уорхола. До попадания на аукцион, скульптуру можно было увидеть в музее Современного искусства в Нью-Йорке, на Гранд – канале в Венеции и в Версальском дворце.

Джефф Кунс создал пять надувных собак, четыре из которых также разошлись по собраниям, но цена их была меньше, чем у «Оранжевой собаки». Необычная скульптура одного из самых известных мастеров XXI века привлекает внимание взрослых и детей своей красочностью и необычностью.

Кунс – одновременно бренд и легенда мира искусства. Работы Кунса, как и работы Уорхола и Херста, создаются помощниками под личным надзором мастера. Большинство его работ – промышленные скульптуры и инсталляции. На сегодняшний день цены на Кунса остаются стабильно высокими. Он работает в Нью-Йорке, содержит студию в Челси и обеспечивает работой 82 человека.

Джефф Кунс. «Собака из воздушных шаров (Оранжевая)». 307х363х114 см. 1994-2000

Искусствовед Фомирякова Анна