Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927)

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927)

Самый жизнерадостный среди русских живописцев, Борис Кустодиев был художником счастья, ведь созданные им полотна пронизаны радостью бытия. Счастье художника скромно и незатейливо, по-простонародному окрашено в пестрые тона.

Почти всю жизнь проработав в Петербурге, художник редко обращался к этому городу в своем творчестве – куда милее Москва с её старинными улочками, Воробьевыми горами и замоскворечьем. Но особенно легко работалось ему в деревнях и городках Поволжья, там, где черпал он образы и сюжеты своих произведений. Жизнь его была короткой (он не дожил до 50), но до отказа заполненная трудом.

На старте творческой эволюции Кустодиев предстает мастером не только превосходно изучившим, но освоившим опыт русской школы живописи конца XIX века (впрочем, среди его прямых предшественников, помимо Репина и Серова, конечно же, обнаруживается Цорн).

Художник родом из Астрахани, одновременно с учебой в семинарии он начал обучение у астраханского живописца А.П.Власова, ученика П.П.Чистякова. Окончив семинарию, молодой человек отправляется в Петербург, где ему посчастливилось заниматься в Академии Художеств под руководством Ильи Ефимовича Репина. Великий художник сразу приметил талант Кустодиева, в последствии он вспоминал: «На Кустодиева я возлагал большие надежды». В портрете Кустодиев следует за Репиным. В работе художнику был важен скорее внутренний мир портретируемого, чем внешние характеристики. Именно Кустодиева Репин привлек к работе над «Торжественным заседанием Государственного совета 7 мая 1901 года». Репин среди всех учеников выделил не только самого способного, но портретиста-профессионала, ведь ему поручалось самостоятельно написать в огромной картине треть портретов.

В 1903 году по окончании Академии он получает право на заграничную поездку. Вообще, Кустодиев часто путешествовал по России, выезжал за границу, в частности, он объездил пол-Европы. Вплоть до болезни он изучал постоянные экспозиции самых известных музеев запада.

Художник быстро обзавелся семьей, уже в европейских поездках его сопровождали ребенок и жена. С женой ему несказанно повезло, она всегда была ему опорой. Первое десятилетие ХХ века приметно тем, что на первый план выходит тема семьи.

Утро. 1904 год. 108х126.5 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 Эта работа была выполнена в Париже, безусловно не без влияния творчества импрессионистов. Как уже раннее было замечено, художник не раз бывал во всемирно известных музеях Парижа, коллекции которых оказали впоследствии на художника значительное влияние. На картине два действующих лица –жена Юлия купает маленького сына Кирилла.

Используя угловую композицию, художник показывает уютный интерьер их дома. Сцена купания кажется проникнутой любовью и заботой. Лучи солнца нежно освещают комнату, поэтому камин не горит. Вообще, в этой работе большое внимание уделено световоздушной среде. Цветы встречаются в двух вариантах – на обоях и букет живых хризантем на камине.

Художественное наследие 1904-1910 годов, когда Кустодиев сосредоточенно ищет свой собственный путь в искусстве, несравненно сложнее и разнообразнее. В нем отразились духовный рост и творческая неуспокоенность мастера, богатство его эмоционального мира.

В конце первого десятилетия ХХ века начала давать о себе страшная болезнь и уже в 1916 году нижняя часть тела художника была парализована, с тех пор его мир сузился до размеров комнаты. И именно с этого времени художник начинает писать самые узнаваемые свои работы.

Масленица. 1916 год. 89х190,5 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 Картина «Масленица» - одна из них. Венецианская живопись эпохи Возрождения переплетается в этой работе с принципами лубка. Нет сомнений в том, что на художественный прием (такой как обрыв среднего и заднего планов, который открывает зрителю бесконечное пространство города, покрытого снегом) повлиял стиль Брейгеля – одного из любимых художников Кустодиева. В «Охотниках на снегу» (1565 г. Музей истории искусств, Вена) Брейгель, в свою очередь, использовал прием фламандского живописца Иоахима Патинира для достижения эффекта глубины пространства - постепенный переход от темных тонов на переднем плане к светлым на заднем. По сравнению с работами предыдущего периода колорит работ становится значительно светлее. В работе над вечерним небом Кустодиев использовал розоватые и зеленоватые тона. Следы на первом плане сильнее усиливают впечатление многолюдности. Эта работа и многие другие были переданы художником для выставки «Мира искусства», где Репин очень тепло отозвался о работах своего ученика. К теме народного праздника художник еще не раз возвращался, например, в 1919 и 1920 годах он пишет работы на эту же тему.

Высокая линия горизонта позволяет с максимальной эффективностью использовать снежный фон – сочная многоцветность зимнего праздника становится одной из удачнейших живописных откровений мастера, добившегося яркости и декоративности.

Среди удивительных цельностью и глубоко прочувствованных национальным характером «типов русской жизни» Кустодиева - его картины 1915 года «Купчиха», «Девушка на Волге», «Красавица». Это попытка художника найти специфически русскую ипостась женской красоты.

Красавица.1915 год. 141х185,5 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Купчихи и красавицы Кустодиева демонстрируют зрелую манеру мастера, одновременно являясь выражением его представлений о человеческой красоте.

В «Красавице» присутствует некий эпатаж, хотя он и не нов для ХХ века – художник помещает героиню в центр полотна, тем самым выдвигает ее на первый план. Пуховое одеяло служит показателем удобства и комфорта, во многом определяет всю атмосферу, пронизывает ее нежностью. В работе преобладает розовый цвет, символ чистоты и здоровья. Светлые волосы русской красавицы собраны в пучок, на губах красная помада, на щеках румянец, голубые глаза горят – все эти детали подчеркивают пышущее здоровьем тело. Лицо девушки лукавое, но вместе с тем умиротворенное, безмятежное. Пышные букеты на стенах и в нижней части полотна вызывают ассоциацию с «цветущим» возрастом героини холста. Она смотрит на зрителя, не смущаясь своих округлых форм, словно нагота для нее не имеет никакого значения. В «Красавице» нет изломанных или резких предметов, преобладает плавность деталей. Несмотря на неестественною изогнутость рук и неуклюжесть позы, девушка не кажется менее изящной и очаровательной. Предметы на прикроватной тумбе, такие как шкатулка для украшений и фарфоровая статуэтка, характеризуют ее быт.

Купчиха за чаем.1918 год. 120х120 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В картине – та пестрота, которую художник видел отраженной в живописном многоцветии собора Василия Блаженного, в красочной сгущенности жостовских подносов и в росписях русских церквей XVII столетия.

«Купчиха за чаем» продолжает цепочку его работ, демонтирующих красоту человеческого тела. На холсте мы видим символ гармонии и уюта русского мира, достатка купеческого дома. На среднем плане можно заметить купеческую семью, которая тоже сидит на веранде и занята тем же, что и купчиха. Размеренность существования на фоне будто застывшего пейзажа прекрасного городка создает ощущение, что время буквально остановилось. Остатки былой роскоши художник показывает в виде изобилия на столе: красивый чайный сервиз, большое количество различных фруктов, несколько булок, варенье из ягод. Блюдце, из которого пьет чай купчиха, уточняет национальный характер сцены – это исконно русская традиция.

1918 год ассоциируется с голодом и разрухой. Возникает вопрос: с какой целью художник изобразил изобилующий вкусной едой стол, довольную своим положением даму? Эту работу можно считать ностальгической, с помощью «Купчихи за чаем» художник дает дань уважения прошлому, прощается с милым его сердцу миром.

 

Большевик.1919-1920 год. 101х141 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

 Те немногочисленные картины мастера, которые он посвятил революционному городу, проникнуты историческим оптимизмом. Масштабность темы перерастает здесь привычные средства выразительности – они кажутся обыденными, приземленными. Несмотря на то, что очевидно, что художник изобразил Москву (на горе виден Румянцевский музей), перед нами обобщенный русский город революционных лет.

В поисках образа, вмещающего грандиозность свершившегося, мастер пытается привить реалистической жанровой картине пластические принципы политического плаката: триумфатор-знаменоносец и реальность заполненного толпой городского пейзажа сопоставлены в масштабном парадоксе. В сокрушительном движении своем рабочий свободно шагает через дома. Флаг в его руках превращается в красный поток, льющийся над Москвой, вооруженные рабочие, солдаты, матросы – в народную лавину.

В левой части композиции художник красным знаменем закрыл крест на куполе – решительное отрицание ситуации. Лицо большевика выражает решительность и отвагу - своеобразный знак необратимых перемен. Грандиозность нововведений, которые перевернули устои страны передает в своей работе 1919 года Борис Михайлович. Он был известен и тем, что был чуть ли не первым художником, сотрудничавшим с большевиками. В работе можно заметить влияние эстетики русского лубка: такая «народность» была близка послереволюционному искусству – с его ориентацией на ясность, понятность каждому и мгновенную «действенность».

1917-1927 тяжелое десятилетние для художника: работа шла в изматывающей борьбе с болезнью. Неправдоподобно, но это десятилетие, стало не только чрезвычайно продуктивным в творческом отношении, но наиболее оптимистическим, бодрым, оно является и временем подлинного расцвета мастера.

Портрет Ф.И.Шаляпина.1922 год. 99х80 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Портрет Шаляпина -одна из его лучших живописных песен о России вообще, поразительный смысл различных, казалось бы, далеко стоящих друг от друга струй его творчества. Это еще один образец гиперболизации образа в творчестве Кустодиева. Но особенность этой работы в том, что здесь четкое деление на два плана: первый, на котором изображен певец и второй с праздничным гулянием. Несмотря на композиционную отдаленность, Шаляпин является неотъемлемой частью праздничной суеты, происходящей позади него.

Костюм певца, перстень на руке, пестрый шарф, аккуратные туфли, роскошная меховая шапка выглядят очень презентабельно, а крестьянская одежда небогатых людей на втором плане усиливает этот эффект. Его шуба картинно распахнута, он осознает свою значимость. Но тем не менее ко всему окружающему он проявляет неподдельный интерес, хотя и сдерживает его.

Балаганы, трактиры, самовары, ледяные горки, изукрашенные повозки – все то, что характеризует карнавальную русскую масленицу, - присутствует на этом полотне. Но в 1922 году, когда оно создавалось, эти приметы уже были далеким прошлым. Афиша, сообщающая о вступлениях Шаляпина, служит мотивировкой появления певца на этом фоне. Собака у ног певца сильно «одомашнивает» сцену, это вполне реальный персонаж – любимец певца.

Таки образом, можно подвести итог, что Кустодиев не собирался консервировать эстетику предшественников. Он стал одним из главных участников процесса обновления искусства через его обращение к народным первоистокам, к древнерусским традициям, к опыту мастеров предыдущего столетия. Вне его творчества сейчас трудно представить себе художественную жизнь той поры.

Борис Михайлович тихо угасал от воспаления легких. Он скончался 26 мая 1927 года. «Он много, много сделал для русского искусства, и оно всегда будет его помнить!» -откликнулся на смерть старого друга Билибин.

 

Искусствовед Манеева Анна