Чума в искусстве. От Питера Брейгеля Старшего до Дэвида Войнаровича.

Поделиться

Питер Брейгель Старший

«Триумф смерти»

Музей Прадо, Мадрид

около 1562 года

1. Питер Брейгель Старший

Во времена двух эпидемий чумы, охвативших континент, столкновения между церковными традиционалистами или католиками и реформаторами, а также религиозных войн между Испанией и Фландрией, смерть была повседневным явлением, привычная для людей, живших в это время.

«Триумф смерти» - впечатляющее напоминание каждому о неотвратимости смерти. Во все времена человек задумывался над своей судьбой, неизбежным итогом жизни. Итальянский поэт Ф. Петрарка в своей поэме «Триумфы» (1373) описывает шесть аллегорических фигур, каждая следующая торжествует над предыдущей: Любовь, Милосердие, Смерть, Слава, Время и Вечность. Таким образом, смерть, по Петрарке — это не конец. Иначе мыслит Брейгель: у него она как раз конец, не оставляющий никаких надежд - ни на славу, ни на время, ни на вечность.

В рамках этой картины художник обращается к двум изобразительным традициям – привычной ему гравюре Северного Возрождения на тему Пляски смерти и итальянской концепции Триумфа смерти, которую он, возможно, видел на фресках Палаццо Склафани (Палермо) и кладбище Кампо-Санто (Пиза).

Армия скелетов штурмует Землю на фоне бесплодного пейзажа и ужасающих сцен разрушения во главе со Смертью, восседающей на костлявом коне. Земля - в зареве пожаров. Она усеяна столбами с колесами пыток и виселицами. На самой линии горизонта виднеется обмелевшее море с тонущими кораблями. Высокая линия горизонта дала возможность художнику с размахом развернуть зловещую картину того, что творится ниже - на земле.

Нет смысла ни обнажать перед их лицом меч, ни спасаться от них под столом, ни игнорировать их, играя в карты или распевая серенады, посланники смерти все равно до тебя доберутся. Смерти не избежит ни царь, ни раб, ни праведник, ни грешник – перед её лицом все равны. Обезумевший народ стремится спрятаться, но, сами того не замечая, бегут в ловушку в форме гроба. Мир гибнет под шум колоколов, раскачиваемых скелетами в левой части «Триумфа смерти».

Изобилие элементов на картине отражает многие аспекты повседневной жизни XVI столетия — от деталей одежды до популярных развлечений, таких как игральные карты и нарды. Художник включил в изображение некоторые музыкальные инструменты, старинные механические часы, сцену охоты, похоронный обряд.

Эта картина принадлежала королеве Елизавете Фарнезской и в 1745 году находилась в летней королевской резиденции Ла Гранха.

2. Арнольд Беклин

Арнольд Бёклин

«Чума»

Музей Изобразительных Искусств, Базель

1898

В поздние годы Бёклин, обосновавшийся в Тоскане, часто обращался к теме смерти, размышлял о бренности бытия и быстротечности человеческой жизни. В это время он пишет картины «Война» (1896) и «Чума» (1898) – предвестников грядущих бед нового столетия, оказавших влияние на живопись мастеров молодого поколения, в частности, на творчество немецких экспрессионистов.

Как ужасное видение возникает на фоне белых клубящихся облаков образ Чумы с косой, восседающей на крылатом драконе. Она мчится над городом в темном одеянии, сметая все на своем пути, сея вокруг хаос, смерть, траур. Фигура чумы костлява, ее глаза наполнены тьмой, а рука с орудием наготове вещает о ее намерениях.  Кожа смерти неестественно, характерного для разлагабщегося трупа, зеленого цвета. Дарование Бёклина, в творчестве которого гармонично сливаются вымысел и реальность, в «Чуме» раскрылось с новой силой.

Темные фигуры жителей города на заднем плане бегают в агонии, ища спасения и укрытия. Цветовым акцентом на полотне служит красное платье девушки, склонившейся над трупом женщины в светлых одеждах.

Вариантом решения композиции этого полотна можно рассматривать рисунок «Холера» (Музей земли Гессен, Дармштадт, 1876). Его художник исполнил во время эпидемии болезни во Флоренции. Именно здесь впервые в творчестве символиста появляется восседающая на крылатом существе фигура смерти с косой.

3. Эгон Шиле

Эгон Шиле

«Семья»

Бельведер, Вена

1918

Эпидемия испанского гриппа, прокатившаяся по Европе в 1918 году и унесшая жизни десятков миллионов людей, получила от Эгона Шиле самую сильную и страшную иллюстрацию, какую когда бы то ни было получала болезнь в истории живописи.

К 1918 году художником было создано уже многое — 300 живописных полотен и 2000 рисунков. Он был преемником Климта и вполне мог стать ведущим художником Австрии. Эгон Шиле женился, обзавелся просторной мастерской, у него были серьезные творческие планы. Ему было всего 28 лет, когда испанка постучала в дом.
В своем последнем письме он описал свое беспокойство: «Дорогая матушка, Эдит восемь дней назад заболела испанским гриппом и заболела пневмонией. Она на шестом месяце беременности. Болезнь очень серьезная и опасная для жизни, я готовлюсь к самому худшему».

Жизнь Шиле завершилась так, как должна была завершиться жизнь художника-экспрессиониста - трагически. Эдит умерла от «испанки» на 6-ом месяце беременности. Через три дня после нее умер Эгон Шиле.

Когда художник работал над картиной, его супруга еще была жива. Однако ему позировала натурщица. Изначально он не планировал рисовать ребенка, вместо него был задуман букет цветов. Но затем автор решил изменить концепцию работы, изобразив ребенка — ему позировал племянник Тони.

В отличие от стиля Шиле, для которого характерны неестественные позы изображаемых персонажей, выходящих за рамки картины, главные герои этого полотна изображены предельно спокойными, покорными, обречёнными. Пожалуй, впервые Эгон Шиле наполняет женское тело жизнью, отходя от пристрастия писать фигуры болезненно-худыми. Перед нами – будущая мать, тело которой приспособлено для родов и последующего воспитания малыша.

Обычная для Шиле обнаженность моделей здесь никак не связана с эротикой: отсутствие одежды делает героев совершенно беззащитными. Складывается впечатление, что художник предсказал трагический поворот событий, который его ждет.

4. Эдвард Мунк

Эдвард Мунк

«Автопортрет после испанского гриппа»

Национальная галерея, Осло

1919

Испанский грипп, самая массовая пандемия гриппа за всю историю человечества, унес жизни Густава Климта, Амадеу ди Соза-Кардозу, Нико Пиросмани. 55-летнему Эдварду Мунку, норвежскому художнику, представителю экспрессионизма повезло больше – его организм с болезнью справился.

 Особое место в творчестве Мунка занимают автопортреты. Самые ранние относятся к началу 1880-х годов, последний – написан в 1944, незадолго до смерти живописца. В конце 1910-х он написал несколько картин («Автопортрет после испанского гриппа», «Автопортрет, испанский грипп»), сразу как почувствовал себя дееспособным, на которых показал свою близость к смерти.

Эти два уникальных изображения его самого заболевания испанским гриппом отличаются от его более ранних картин на тему смерти и болезни. Несмотря на отчаяние и пессимизм, порожденные гриппом, он не стал изображать на этих картинах ни скелета, ни Ангела Смерти. Болезнь и ее влияние на его психологию, по-видимому, затмевают идею конца жизни. В отличие от некоторых его предыдущих изображений болезни на портретах, где он рисует переживающих близких заболевшего, здесь он изображает себя жертвой, которая должна пережить происходящее в одиночку.

Картина «Автопортрет после испанского гриппа» была написана в поместье Экели. Предметы мебели, окружающие художника, играют немаловажную роль – Мунк изолировал свою фигуру в полупустой комнате. Художник сидит в плетеном кресло, на заднем фоне – расправленная кровать.

Его схематично очерченное лицо с открытым ртом, редкие волосы, болезненный цвет кожи обнажают состояние хрупкого, уязвимого человека. Волнистые ярко-красные и желтые мазки кисти передают лихорадку, сопровождавшую грипп. «Болезнь, безумие и смерть ... охраняли мою колыбель и сопровождали меня всю мою жизнь», - отмечал Эдвард Мунк.

5. Кит Харинг

Кит Харинг

«Молчание=страх»

Коллекция Плакатов Noirmontartproduction, Париж

1989

В 1980-х и начале 1990-х годов вспышка СПИДа охватила не только Соединенные Штаты, но весь остальной мир. В 1989 году ежеминутно у 1 американца диагностировали ВИЧ, каждый час от СПИДа умирали 4 человека. К 1991 году эпидемия унесла жизни 100 000 американцев. Состояние информации о СПИДе / ВИЧ в Соединенных Штатах в 1980-е годы было поистине ужасающим. В то время дезинформация была обычным явлением, реакция американского правительства на происходящее была постыдно неадекватной, а лекарства и медицинское обслуживание были чрезвычайно дорогими. Люди, инфицированные ВИЧ, остались один на один со своей болезнью.

Образ Харинга здесь отсылает к трем мудрым обезьянам, которые «ничего не видят, ничего не слышат, ничего не говорят». Обычно танцующие, прыгающие, пульсирующие жизнью персонажи художника здесь не кажутся такими радостными. В «Silence=death», они, кажется, трясутся до смерти в своем стремлении сохранить собственное и чужое невежество. Прислушайтесь к словам, и вы услышите крик.

Гений поп-арта и уличного искусства, Харинг стремился нести искусство в массы. Создавая подобные простые и многими понимаемые образы безликих человечков, Кит стремился стереть границу между своим искусством и массовой культурой. Художник был членом базирующейся в Нью-Йорке группы активистов борьбы со СПИДом AIDS Coalition to Unleash Power (ACT UP) и всеми силами старался распространять информацию о болезни, в том числе, с помощью своего искусства. Кит Харинг умер от СПИДа в 1990 году в возрасте 31 года.

6. Дэвид Войнарович

Дэвид Войнарович

«Без названия (Падающие Буйволы)»

Национальная художественная галерея, Вашингтон

1988-1989

«Безымянные буйволы» Дэвида Войнаровича - одна из самых известных работ художника и, возможно, одна из самых проникновенных художественных реакций на кризис СПИДа 1980-х годов. Просочившись в культуру, образ падающего со скалы буйвола появился в титрах второго сезона «Westsorld» и на обложке сингла U2 «One».

К концу 1980-х годов, когда Давид Войнарович уже был богат и знаменит как художник и писатель, он узнал о том, что болен СПИДом. С этого времени его искусство было посвящено борьбе за свои права как человека и как творца. Он развернул широкие дебаты относительно цензуры, юридических прав художника, медицинского обслуживания, проблем сексуальных меньшинств. Его работы того времени отражают необычайно тяжелое состояние художника.

Одна из них, «Без названия (Падающие буйволы)», фотография, на которой стадо быков падает со скалы навстречу своей смерти. Животные вызывают чувство обреченности и безнадежности. Фотография не имеет документального характера – изображение прыжка буйвола было частью большой диорамы, увиденной и сфотографированной Войнаровичем в Национальном музее американской истории (Вашингтон).

Художник, создавший мощный и провокационный образ, проводит параллель между кризисом СПИДа и массовым забоем буйволов в Америке в XIX веке. Это напоминает зрителям о пренебрежении и маргинализации, которые характеризовали политику борьбы с ВИЧ / СПИДом в то время.