Кино и живопись

Поделиться

«Мальчик в голубом» Томас Гейнсборо и «Джанго освобожденный» Квентина Тарантино

Джонатан Баттл, сын обеспеченного торговца скобяными изделиями изображен на полотне в полный рост, его непринужденная поза лишена аффектации. Вдохновившись портретами аристократов Антониса Ван Дейка и Питера Пауля Рубенса, художник обличает портретируемого в голубой атласный костюм. В «Мальчике в голубом» Гейнсборо использует один из ключевых приемов - он растворяет один цвет в другом при помощи отдельных мазков иного тона.

Интересно, что не только Тарантино вдохновился образом молодого человека в ярком костюме. Фридрих Вильгельм Мурнау, выступивший режиссером культового фильма «Носферату, симфония ужаса» (1922), дебютировал в начале своей карьеры с фильмом «Мальчик в голубом» (1919). на создание этого фильма Мурнау   вдохновили полотно Томаса Гейнсборо «Мальчик в голубом» и роман Оскара Уайльда «Портрет Дориана Грея». До нашего времени дошли лишь несколько кадров, среди которых есть снимок мальчика, буквально сошедшего с полотна Гейнсборо.

Первоначально Баттл сам владел картиной, но разорившись, был вынужден продать портрет на аукционе. Сменив несколько владельцев, среди которых были политик Джон Несбитт и портретист Джон Хоппнер, полотно оказалось в коллекции графа Гросвенора. Спустя столетие, после Первой мировой войны портрет был куплен американцем Генри Хантинтоном за рекордную сумму. На сегодняшний день «Мальчик в голубом» хранится в Библиотеке Хантингтона (Сан-Марино).

Джанго, персонажу фильма «Джанго освобожденный» (режиссер Квентин Тарантино, 2012) в жанре спагетти-вестерн, в одной из сцен было предложено выбрать себе наряд для розыгрыша спектакля, в котором у него будет определенная роль.  Доктор Кинг Шульц предлагает Джанго изображать камердинера. Бывший раб, ныне охотник на особо опасных преступников, Джанго выбирает яркий и ироничный костюм - синий атласный пиджак, бриджи до колен и белое жабо с оборками, напоминающий костюм Джонатана Баттла, позировавшего Гейнсборо в 1770 году.

Шэрин Дэвис, художник по костюмам, вдохновившись вестерн-сериалом «Бонанца» и знаменитым полотном английского портретиста предложила такой вариант костюма. В интервью Vanity Fair она рассказала, что показывала Квентину картину «Мальчик в голубом». Тогда он посмотрел и промолчал. Однако позже сказал: «О, сделай его «мальчиком в голубом».

«Дни жатвы» Терренса Малика и «Мир Кристины» Эндрю Уайета

Творчество Терренса Малика напоминает великие голливудские немые фильмы Гриффита, Шестрема и Мурнау. Ричард Гир, Брук Адамс, Сэм Шепард - главные герои киноленты «Дни жатвы», фильма в жанре роуд-муви, снятого режиссером Терренсом Маликом в 1978 году. Для Малика картина оказалась второй в карьере, первый фильм «Пустоши» был внесен в национальный реестр выдающихся фильмов. «Дни жатвы» - особенный фильм не только для самого режиссера, но и для истории американского кино. Фильм принес Малику приз за лучшую режиссуру на кинофестивале в Каннах (1979) и несколько номинаций на Оскар и Золотой глобус.

Режиссер показывает меняющуюся Америку, озлобленную страну, обращенную против иммигрантов и приезжих, где индустриализм угрожает пасторальной идиллии, нация находится на грани вступления в Первую мировую войну, а их собственная личная трагедия становится отражением более масштабной трансформации.

«Дни жатвы» — это прежде всего один из самых красивых фильмов. Цель Малика - рассказать не мелодраму, а историю потери. Его тон элегичен. Он вызывает в памяти одиночество и красоту бескрайних техасских прерий. В первый час фильма едва ли есть сцена, снятая в помещении. Работники фермы разбивают лагерь под звездами и работают в полях и даже фермер настолько одурманен погодой, что возится с духовыми инструментами на крыше своего готического особняка.

Поразительный образ фильма - изолированный готический особняк с мансардной крышей, одиноко стоящий в пшеничном поле словно сошел с полотна Эдварда Хоппера или Эндрю Уайета. Этот особняк фермера был создан художником-постановщиком Джеком Фиском с нуля.

Изысканный, лирический фильм «Дни жатвы» - один из тех немногих фильмов, снятых Маликом за свою режиссерскую карьеру. Малик монтировал этот фильм два года, а к работе над следующим фильмом «Тонкая красная линия» он приступил только через 20 лет.

Малику удалось объединить вместе сильное визуальное повествование, действие, происходящие практически целиком под открытым небом, минимальное использование искусственного освещения (фигуры персонажей подсвечены сзади и снимаются преимущественно в вечернее время), обилие импровизации, безэмоциональный закадровый голос, благодаря которому повествование движется вперед. Картины Уайта («Мир Кристины», «Индейское озеро») послужили вдохновением для режиссера. Ощущение господства природы над человеком, чувство напряжения роднят картину и кадры из фильма.

Алекс Колвилл «Тихий океан» и «Схватка» Майкла Манна

Американский режиссер Майкл Манн выпустил криминальную драму «Схватка» с Аль Пачино и Робертом де Ниро в главных ролях в 1995 году. Одна из сцен в фильме полностью имитирует полотно Алекса Колвилла «Тихий океан». Фокусируя внимание камеры на пистолете, положенном на стол, эта кинематографическая цитата направляет нас к темам психологического отчуждения и морального напряжения в фильме.

По прибытии домой Нил Макколи, преступник, которого играет Роберт де Ниро, кладет на стол пистолет Browning Hi Power, который он носит в течение дня. Тяжелая сталь ударяется о каменный стол, эхом отдается в пустом пляжном домике. Мир Нила Макколи суров, одинок и пуст. В трех элегантных кадрах Майкл Манн рисует полный профиль персонажа: его жизнь, его желания, его страхи и, в конечном счете, его судьбу.

Дэвид Александр Колвилл находился под большим влиянием идей французского экзистенциализма в 1950-х и 1960-х годах, как и многие художники и мыслители его поколения. Особое влияние на художника оказали работы Жана-Поля Сартра (1905-1980) и Альбера Камю (1913-1960). Является ли этот образ образом нерешительности или уверенности, надежды или отчаяния, может решить только зритель.

Безмолвные изображения Колвилла статичны. Тем не менее, практически все они рассказывают историю, в кратком, сжатом сюжете. Имея мрачный взгляд на мир, канадец изображает основные человеческие состояния, эти простые и одновременно сложные темы: одиночество, изоляция, расставание, работа, отдых, отчуждение, любовь.

Как и почти все работы Колвилла начиная с «Nude and Dummy» (1950), эта картина основана на невероятном чувстве композиции: ни один компонент не помещается в нее случайно. Два ключевых элемента имели для Колвилла огромное значение: швейный столик принадлежал его матери, а пистолет был служебным револьвером времен Второй мировой войны.

Колвилл построил образ из различных элементов из своей памяти и опыта, из эскизов и, возможно, даже из фотографий. Присутствие пистолета создает чувство напряжения. Фигура кажется расслабленной, океан не особенно угрожающим, и в комнате больше нет ничего, что могло бы добавить или ослабить напряжение.

«Малая купальщица, интерьер гарема» Жана Огюста Доминика Энгра и «Страсть» режиссера Жана-Люка Годара.

Жан Люк Годар – режиссер, снявший за свою карьеру более 70 фильмов. Творчество Годара обычно принято делить на несколько периодов: новая волна, маоистиский период, группа «Дзига Вертов», сотрудничество с Анн-Мари Мьевиль и поздний период, который берет начало с 1980-х годов. Фильм «Страсть» был снят в 1982 году. Главный фильм в продолжающемся исследовании Жан-Люка Годара отношений между живописью и кино, использует инновационные формы для изучения политических и экономических вопросов. Польский актер Ежи Радзивилович играет режиссера, снимающего фильм, сцены которого являются репродукциями картин Гойи, Веласкеса и других европейских мастеров.

«Страсть» — концептуально очень целостный текст, ибо строится по принципу ассоциации, соответствия между работой на фабрике и в кино. В картине два сюжета, переплетающихся и рифмующихся по ходу действия: бунт работниц на фабрике и разлад на кинопроизводстве. Годар противопоставляет страсть и веру в труд; практическое против художественного.

Годар, почти как Ежи, его протеже внутри фильма, ищет тоже самое, что искали, например, Веласкес или Гойя, картины которых выстраиваются в сюжете. Вопрос что нужно сделать, чтобы создать образ, несколько раз звучит в фильме. «Страсть» и другие фильмы Годара свежи, интеллектуальны и философичны.  Режиссер четко указывает в фильме, что «в кино нет законов».

Самым примечательным в искусстве Энгра римского периода становится обращение его к обнажённой натуре, трактуемой, впрочем, максимально целомудренно. И в дальнейшем жанр ню оставался предметом творческого интереса художника до конца его жизни. Как и для всех академистов, обнажённое женское тело для Энгра воплощало высшее проявление красоты.