Самые дорогие картины мира

Поделиться

Стоимость полотен из этой десятки связана не только и не столько с их художественной ценностью. Она символизирует не только их происхождение, историю, материальные инвестиции, а также покупку ради престижа. И только иногда – любовь к искусству.

Если задуматься, получается, что искусство похоже на волшебство. Всего лишь следы от кисти, лишенные какой бы то ни было видимой ценности, абсолютно недорогой холст и краски, по мановению волшебной кисти художника становятся бесценным объектом вожделения самых богатых и влиятельных людей на планете.

1. «Спаситель мира», Леонардо да Винчи 450.3 млн долларов.

Список самых дорогих картин, проданных в результате открытых торгов открывает картина всем известного художника Леонардо да Винчи «Спаситель мира», проданная в конце 2017 года за рекордно высокую цену в 450 миллионов долларов. По мнению экспертного совета «Спаситель мира» был написан в 1499 году.

Небольшая по размерам картина (66 х 47 см) некоторое время считалась утраченной. На сегодняшний день нельзя точно утверждать, что авторство картины всецело принадлежит Леонардо. Есть версия, что работа была закончена либо его учеником, либо одним из леонардесков (последователей его стиля). Ввиду плохого состояния оригинального слоя краски, стартовая цена составляла 100 млн долларов.

Искусствоведом Робертом Саймоном были найдены порядка двадцати работ, очевидно, копий шедевра. Специалистами было выдвинуто мнение, что работа была создана либо в конце миланского периода, во время создания «Тайной вечери», либо уже во флорентийский период. «Спаситель мира» был приобретен наследником престола Саудовской Аравии Мухаммедом ибн Салман Аль Сауд для экспонирования в «Лувре Абу-Даби», распахнувшим свои двери как раз в ноябре 2017 года.

Леонардо да Винчи. «Спаситель мира». 1499 

2. «Когда свадьба?» Поль Гоген 300 млн долларов.

Полотно, долгое время принадлежавшее семье Рудольфа Штехлина, в 2015 году было приобретено ведомством Катара за 300 млн долларов. Иронично, ведь работы Поля Гогена не были востребованы при жизни, его финансовое положение можно назвать крайне скромным. Картина знаменитого постимпрессиониста была написана маслом в 1892 году. 

Гоген прибыл на Таити в начале последнего десятилетия XIX века. Художник принял решение оживить свое искусство и погрузиться в ту культуру, которая для него была незапятнанной западными нравами.

Девушка в яркой одежде на переднем плане частично заслоняет собой молодую женщину в западном платье с высоким воротником, рука которой поднята в знаковом жесте. Цветок за ухом девушки – традиционный таитянский символ, показывающий готовность к браку. Формы тел красавиц –изогнутые и полные, кажется, что они сливаются с пейзажем, они как будто растут, как цветы, из зеленой и желтой травы.

Во взгляде таитянки чувствуется нотка опасения, это напряжение усиливается приближающимися фигурами, которые резко вторгаются в эту статичную молчаливую сцену.

Гоген надеялся найти нетронутый остров, где он мог бы создавать чистое, примитивное искусство. Поездка на край света не оправдала надежд художника, остров был колонизирован французами уже в XVIII веке, большая часть местной культуры была подчинена влиянию колониального правления.

Гоген нашел вдохновение и эта картина, написанная во врем его первого визита на остров демонстрирует зрителю большую часть свободы выражения и воображения, которые он там для себя обнаружил.

Поль Гоген. «Когда свадьба?». 1892

3. «Игроки в карты» Поль Сезанн 250 млн долларов.

Сезанн написал пять картин на тему игры в карты, в нее входят работы, которые были созданы художником с 1890 по 1895 годы. На данный момент они разбросаны по свету – Нью-Йорк (Метрополитен-музей), Филадельфия (Фонд Барнса), Лондон (Институт искусства Курто), Париж (Музей Орсе) и, наконец, Катар (семейное собрание). Картины похожи друг на друга, у них один сюжет, отличается лишь количество персонажей: где-то это двое мужчин, где-то четверо, а на одной работе – пять человек. Сохранившиеся подготовительные эскизы художника указывают на то, что он изучал свои фигуры самостоятельно, одну за другой, а затем включил эти исследования в свои многофигурные композиции.

Картина «Игроки в карты», проданная за 250 млн долларов – третья из серии, она была создана в 1892-1893 годах. Эти игроки уж больно похожи на тех, что хранятся в Лондоне и Париже. Для создания этих полотен художнику позировали местные крестьяне. Мы видим двух персонажей, поглощенных игрой. Слева - мужчина в темном костюме, он курит трубку, мы видим его колоду. Напротив него – мужчина в светлом костюме. Они оба в шляпах, их руки лежат на столе, покрытом скатертью. В более поздних версиях «Игроков в карты» стол уже очищен от всех предметов, за исключением центральной бутылки вина.

Подобные сценарии, наблюдаемые в голландском и французском искусстве XVII века, определялись драмой, они включали сцены ссор, драк и т.д. Взгляд Сезанна на карточных игроков был верен его стилю приглушенных эмоций. Вместо этого его сцена настолько тихая, что ее описывают как «человеческий натюрморт».

Открытие Сезанна заключается в том, как он уводит тему игры от ее очевидного символического и драматического значения: победителей и проигравших, обманщиков и обманутых. Все это уже было тщательно исследовано художниками до Сезанна. Вместо этого он уделяет внимание другому - мастер подчеркивает общее социальное пространство карточной игры, интимное и знакомое, а также внимание и концентрацию, которые требует игра.

Поль Сезанн. «Игроки в карты». 1892-1893

4. «№ 6 (Фиолетовое, зеленое и красное)» Марк Ротко 186 млн долларов.

Марк Ротко жил и творил в Нью-Йорке. Он возглавлял американский абстракционизм на протяжении 1950-60-х годов. Необходимо отметить, что Ротко всерьез интересовался идеей максимальной бесформенности, передачей эмоций исключительно с помощью цвета. Глядя на его произведения нужно отбросить все стереотипы и просто погрузиться в них, так же, как мы погружаемся, скажем, в музыкальное произведение.

Продажа картины состоялась в августе 2014 года, она была оценена покупателем в 186 млн долларов. Полотно было написано в 1951 году, оно представляет из себя типичный образец разработанного Ротко стиля «Живописи цветового поля», в год покупки она установила рекорд для живописи этого периода. В списке пятидесяти самых дорогих картин, проданных когда-либо, встречается далеко не одна картина Марка Ротко. «Оранжевое, красное, желтое» (1961) была продана за 86.7 млн долларов, «№ 10» (1961) за 81.9 млн долларов, «№1 (Королевский красный и голубой)» (1954) за 75.1 млн долларов.

В 1949 году Марком Ротко был разработан живописный формат, где мягко очерченные прямоугольные «облака» цвета накрадываются друг на друга. Марк пытался достичь элементарных эмоций, но с максимальной остротой. В этом формате художник работал следующие двадцать лет, вплоть до своего самоубийства в 1970 году.

Художник-самоучка начинал свою карьеру с написания лиричных сценок из жизни нью-йоркского метро, затем писал сюрреалистические картины. Забавные герои из античных мифов помогли ему оторваться от реальности.

Можно спрогнозировать рост цен на Ротко, это тенденция уже наблюдается. Есть несколько причин почему так можно утверждать. Во-первых, к нашему времени персона Ротко стала легендарной, про него даже шла пьеса на Бродвее (Red). Во-вторых, его картины уже твердо укрепили свои позиции в истории искусства, но их можно обнаружить на рынке (на данный момент ежегодно на рынке появляется порядка десяти холстов художника). Картины Ротко одни из тех немногих, взглянув на которые можно узнать авторство, не смотря на подпись в углу. После продажи этой картины в 2012 году произошел рост цен на все картины художника из этого же сегмента.

Марк Ротко. «Фиолетовое, зеленое и красное». 1951

5. «Алжирские женщины» Пабло Пикассо 179.3 млн долларов.

Серия «Алжирских женщин» включает в себя 15 произведений. Среди них версии O, M, N, C, H и другие. Последняя и самая знаменитая картина из серии была куплена катарским политиком (Хамад бен Джасим бен Джабер Аль Тани) весной 2015 года за 179, 3 млн долларов. «Алжирские женщины» представляет из себя дань французскому романтику Эжену Делакруа, написавшему «Алжирских женщин в своих покоях» в 1834 году и Анри Матиссу, в творчестве которого «восточный мотив» встречается достаточно часто. «Когда Матисс умер, он оставил в наследство свои одалиски», - заявил Пикассо.

Кубистическое, яркое изображение куртизанок, как отметил Филипп Хоффман (основатель и генеральный директор Fine Art Fund Group) явилось «одной из самых захватывающих картин, которые мы видели на рынке в течение последних 10 лет».

Художник провел серьезное исследование природы цвета, линии и композиции. Пикассо никогда не отличался интересом к ориенталистическим сюжетам. Он никогда не выезжал за пределы Европы и не создавал значительных ориенталистских образов, как, например, Матисс, не опосредованных предыдущими представлениями других художников. За исключением нескольких изображений, главным образом в графике.

Пикассо резко сжимает и без того неглубокое пространство гарема Делакруа, переворачивает и меняет местами женщин. Их формальные отношения перекликаются с Энгром, но им не хватает уютной интимности Делакруа и его гаремных установок.

Пабло Пикассо. «Алжирские женщины». 1955

6. «Лежащая обнаженная» Модильяни 170.4 млн долларов.

Картина была приобретена миллиардером из Китая по имени Лю Ицянь за 170 млн долларов. Сделка прошла в нью-йоркском филиале аукционного дома Christie’s в 2015 году. Оценочная стоимость полотна, законченного в 1918 году, составляла 100 млн долларов. До 2015 года максимальная сумма за полотно известного итальянского художника не превышала 71 млн долларов. Торги были ощутимо напряженными, шесть человек соперничали за лот, и потребовалось всего девять минут, чтобы продать полотно.

«Лежащая обнаженная» входит в разряд заказанных – более 20 обнаженных были написаны для польского арт-дилера Леопольда Зборовски в период с 1916 по 1917 года.

Не очень большая по размерам (60 х 92 см), обнаженная часто выставлялась на выставках. Например, она была включена в число работ, представленных на первой персональной выставке Моди, организованной Бертой Вейль. Провокационная выставка была закрыта спустя несколько часов после открытия.

Критик «The Guardian» Джонатан Джонс отмечает, что Модильяни продолжает традицию Тициановской Венеры Урбинской. Имеется в виду традиция прославления человеческого тела, наполненного сексуальностью.

Темноволосая красивая женщина лежит на красной простыне, ее голова покоится на подушке. Поза героини колоссально провокационна, но одновременно с этим расслаблена и естественна. Она поднимает руки над головой, обнажая полные груди. Ее губы красные, а глаза сильно окрашены, за счет этого они кажутся сильно больше. Композиция подчеркнута упрощена, кажется, что в своем спокойствии девушка напоминает классическую скульптуру. В искусство Модильяни можно рассматривать как сочетание скульптуры и живописи.

«Лежащая обнаженная» кисти Модильяни – один из самых растиражированных образов в искусстве ХХ века. Несмотря на то, что искусство Модильяни пронизано традицией, он выработал свой собственный, неповторимый стиль, который делает его невозможным спутать с любым другим художником. Кажется, Модильяни каким-то образом удалось вдохнуть жизнь в греческих богинь, чтобы они больше не были далекими и холодными, а излучали женственность и чувственность – так же, как женщины Рубенса или Ренуара.

Амадео Модильяни. «Лежащая обнаженная». 1917-1918

7. «Сон» Пабло Пикассо 155 млн долларов.

«Сон» -вертикальное полотно размером 130 х 97 см. Картина, на которой изображена молодая любовница Пикассо Мария-Тереза, была продана шесть лет назад, в 2013 году. Пабло было 50 лет, ей 22, он видел в своей любимой женщине источник вдохновения. На момент написания картины, отношения между любовниками длились уже 5 лет. Но они всегда оставались тайными, потому что Пикассо был официально женат.

«Сон» одна из самых блестящих работ Пикассо. Не исключено, что Стив Уинн приобрел ее отчасти из-за ее прежних владельцев. Виктор и Салли Ганц владели поистине большой коллекцией предметов искусства ХХ века.

Говорят, что работа была написана в течении одного дня – 24 января 1932 года. Эта работа нашла место среди искаженных изображений, созданных художником в конце 1920-х – начале 1930-х. Он упростил очертания, использовал контрастные цвета, напоминающие ранний фовизм.

Смотря на этот шедевр, зритель чувствует полное умиротворение. Девушка расслабленно склонила голову набок. Поза красавицы весьма непринужденна - ее голова склонилась на плечо, частично оголена грудь, руки покоятся в сомкнутом положении, светлые волосы откинуты назад. Фигура прописана плавными линиями, отдана дань аппетитным формам натурщицы, которой так восхищался любвеобильный мастер живописи. Ее поджатые губы свидетельствуют о настоящем блаженстве, пойманном моменте счастья.

Тот факт, что у нее есть шесть пальцев в каждой руке, а голова состоит из двух частей, напоминает мир снов, освобожденный от любой реальности, оставляя волю фантазии. Разрыв головы, прямой и четкий, может представлять из себя хрупкость границы между мечтой и реальностью. Ее тело принадлежит реальности, но дух находится в другом месте. Художник, через свою картину, празднует женское тело и его сексуальность. Он изобразил саму мечта, она идеализирована, сфантазирована.

Самым удивительным в работе является изображение лица спящей – девушка нарисована в фас, однако, тёмная неровная линия около носа образует профиль. Такая нетривиальная иллюзия, соединяющая в себе два несочетаемых ракурса, не только станет одним из излюбленных приёмов мастера, но и положит начало целому направлению в портретной живописи.

Пабло Пикассо. «Сон». 1932

8. «Женщина III» Виллем де Кунинг 137.5 млн долларов.

Виллем де Кунинг - представитель абстрактного экспрессионизма родом из Нидерландов. Коллекционер Стивен Коэн пополнил свою личную коллекцию полотном, входящим в серию картин, посвященных женщине. «Женщина III» - последняя картина из серии, которая сейчас находится в частных руках, все остальные, кроме одной, на данный момент составляют гордость музеев Соединенных штатов. Серия создавалась на протяжении двух лет – с 1951 по 1953.

Регулярно художник стал писать женщин еще с начала 1940-х годов, а более серьезно и осознанно вернулся к теме в начале 50-х. В отличие от женщин I и II, которые изображают сидящую фигуру, другие картины этой серии показывают фигуру в стоячей позе.

Женщины на его полотнах часто изображены в почти граффити-стиле, с гигантскими, пустыми и свирепыми глазами, массивными грудями, зубастыми улыбками и когтистыми руками. Отчасти де Кунинг создает свои образы в противовес покорным домохозяйкам времен Холодной войны. Они агрессивны, эротичны и угрожающе красивы. Художник заставляет форму женщины сливаться с абстрактным фоном.

Де Кунинг, которого до этого Клемент Гринберг, американский арт-критик и ключевой теоретик абстрактного экспрессионизма, считал «совершенно абстрактным художником», вдруг возвращается к фигуративной живописи. Гринберг обвинит его в реакционизме. «Женщина III» выполнена с необычайной хроматической резкостью. Цвета напирают друг на друга в бьющем энергией порыве. Картина написана продолговатыми мазками, наезжающими, выталкивающими друг друга по всей плоскости. Человеческое тело превращается в гротескное, выгнутое во все стороны фантастическое существо. Однако художник не пренебрег композицией картины. Напротив, художественная дилемма де Кунинга носит, прежде всего, пространственный характер. В процессе эволюции картины художник стремится к слиянию фигуры с фоном.

В работе над этим циклом де Кунинг использует фотографии из журналов мод или других иллюстрированных журналов. Чтобы иметь возможность лучше постичь женский мир, художник обращается к женщинам-моделям, «идеальным» женщинам. Художник глумится над общественным образом женского идеала, развенчивает его.

Вильям де Куннинг. «Женщина III». 1953

9. «Три наброска» Фрэнсис Бэкон 142.4 млн долларов.

«Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» Френсис Бэкон пишет в 1969 году. На этих полотнах показан Люсьен, внук того самого Фрейда, в сидячем положении с трех сторон. Во время написания картины художнику, смешавшего в себе еврейские и немецкие корни, было 47 лет. Один из самых высокооплачиваемых современных художников, он всегда отличался пренебрежительным отношением к деньгам.

Торги длились менее десяти минут, полотно было куплено за сумму 142.4 млн долларов. Лот выставил на продажу малоизвестный коллекционер из Европы. Это первое появление картины на аукционе.

Впоследствии близкие друзья, Фрэнсис и Люсьен познакомились в 1945 году, несколько раз они друг другу позировали. Триптих состоит из картин одинакового размера – 198 х 147.5 см. Люсьен изображен в разных позах, но обстановка остается одинаковой. Размер мастерской в Королевском колледже искусств позволил художнику работать с тремя крупноформатными холстами одновременно.

Картина является настоящим шедевром, который отмечает отношения Бэкона и Фрейда, отдавая дань творческому и эмоциональному родству между двумя художниками. Сопоставление сияющего солнечного желтого цвета с брутальной телесностью и непосредственностью мазков кисти в этом знаменитом триптихе - вот что делает искусство Бэкона таким замечательным. «Три наброска Люсьена Фрейда» является одним из двух существующих триптихов Люсьена Фрейда в полный рост. Три панели, которые составляют эту работу, были разделены почти на пятнадцать лет в середине 1970-х годов и воссоединились во всем своем великолепии где-то в 1980-х годах.

Фрэнсис Бэкон. «Три наброска Люсьена Фрейда». 1969

10. «Крик (4 картина серии)» Эдвард Мунк 119.9 млн долларов.

Четвертая картина из серии «Крик» была написана спустя два года после написания самой известной картины, которая на данный момент хранится в Национальном музее в городе Осло.

В весенний день 2012 года именно это полотно стало темой мирового обсуждения, попав в заголовки газет по всему миру. Единственная версия, находящаяся в частных руках – пастель 1985 года размерами 79 х 59 см. Картина и по сей день находится в оригинальной раме, и что особенно важно, на ней выгравировано стихотворение Мунка о мотиве его картины.

«Крик» Эдварда Мунка – одно из самых загадочных произведений в изобразительном искусстве. Классический образец экспрессионистической живописи, «Крик» вызывает в человеке сильные эмоции.

Помещенный в центр композиции фигура отчаянно кричащего человека, привлекает внимание зрителя в первую очередь. В обезличенном примитивном лице отчаяние и ужас граничат с безумием. Одиночество главного героя, его хрупкость и уязвимость, наполняют все работы из этой серии особой трагедией и энергией.

Красное, огненное горячее небо окутывает холодный норвежский фьорд. Напряжение искажает пространство, линии сломлены, а перспектива разрушена. Только мост, на котором находятся персонажи, остается в недеформированном состоянии. Он противопоставлен хаосу, в который погружен мир. Мост у Мунка– барьер, отделяющий человека всего остального. Две равнодушные фигуры вдалеке никак не реагируют на происходящее вокруг, но подчеркивают трагичность сюжета.

Эдвард Мунк. «Крик». 1895

Искусствовед Фомирякова Анна